
Jouer l’avenir :
Le théâtre au carrefour de la crise et du renouveau
Savas Patsalidis*
Nous vivons à une époque où la tragédie n’est plus seulement l’apanage de la scène ; elle se déploie quotidiennement dans le tissu de l’histoire, à travers les guerres, les déplacements, l’effondrement écologique et les traumatismes non résolus. La notion classique de tragédie en tant que forme d’art a donc changé : elle nous confronte désormais à l’expérience vécue, et non à la métaphore. Dans ce paysage, le théâtre ne peut se permettre d’être détaché. Il devient un lieu d’enquête, un espace fragile, mais puissant où nous osons poser les questions les plus urgentes sur la complicité, la responsabilité et les limites de la guérison au lendemain de la violence.
Aujourd’hui, la tragédie n’est pas une question de résolution, mais de confrontation. Elle exige que nous témoignions, que nous remettions en question les systèmes et les histoires qui perpétuent la souffrance, et que nous prenions au sérieux les risques et les charges éthiques d’une telle remise en question. Dans ce contexte, le théâtre/la représentation n’est pas une fuite, c’est une rencontre. Cela devient un moyen par lequel les artistes, le public et les communautés s’engagent dans les textures douloureuses de notre époque, en explorant comment la dégradation du climat, la guerre et les fractures sociétales ne sont pas des phénomènes distincts, mais des crises imbriquées les unes dans les autres. L’acte de questionnement par le biais du théâtre/du spectacle recèle un potentiel de transformation, non pas en tant que catharsis, mais en tant que résistance critique.
« Mais comment raconter l’histoire d’une planète en mutation de manière à mobiliser plutôt qu’à paralyser ? Comment reconnaître le chagrin et la peur sans sombrer dans le fatalisme ? Comment passer des solutions technocratiques à la transformation écobiologique et psychoculturelle ? », se demandent à juste titre les responsables invités du dossier « Représentation, climat et transformation des conflits », Roberta Levitow, Chantal Bilodeau et Aikaterini Delikonstantinidou. « Il semble que nous ayons besoin de nouvelles histoires qui pourraient nous aider à vivre différemment », répondent-elles ; et « la représentation, avec sa capacité à tolérer l’ambiguïté, à supporter le paradoxe, à incarner à la fois la critique et l’espoir, et à forger des solidarités imaginatives – même si elles sont embourbées – est particulièrement bien placée pour intervenir ».
C’est exactement ce que fait ce dossier : il « explore le rôle des arts du spectacle, et du théâtre en particulier, dans la gestion de cette crise enchevêtrée, où la dégradation de l’environnement et les conflits sociopolitiques sont des forces co-constitutives ». Dans cet esprit plus large d’exploration et de prise de conscience, les neuf textes choisis par les trois responsables apportent, chacun à leur manière et selon leurs objectifs, une perspective unique. À partir d’un lieu et d’un thème précis, ils mettent en lumière la manière dont les arts du spectacle « s’engagent dans les réalités de la crise climatique tout en offrant des voies de réparation, de renouvellement et même de justice ». Les questions qui dominent les neuf textes s’entrecroisent : « quel rôle unique le spectacle vivant peut-il jouer pour catalyser la prise de conscience du climat, favoriser la résilience, transformer les conflits ? Comment l’événement théâtral – éphémère et situé, incarné et métaphorique – peut-il créer des espaces de résonance émotionnelle, de remise en question éthique et d’engagement politique ?
Mais le dossier n’est pas seul à traiter de la crise profonde de la culture. D’autres articles du numéro l’abordent également, car la crise de la relation entre l’humanité et la nature ne se limite pas aux préoccupations environnementales. Elle est beaucoup plus large et profonde, ce qui appelle une réponse holistique de la part du monde du théâtre. Comme l’écrit dans son article Heidi Wiley, directrice exécutive de la Convention théâtrale européenne (ETC), à la lumière de tout cela, les théâtres peuvent jouer un rôle clé dans la construction de l’empathie et de la cohésion de la communauté, en particulier dans la division sociale. Dans le présent numéro, les lecteurs ont l’occasion d’explorer de nombreux textes qui incitent à la réflexion sur ce sujet, tels que « Community Theatre in Colombia: Origins and Trajectories » de Sarah Ashford Hart et Janneth Aldana, un article qui souligne l’importance du théâtre communautaire en tant qu’expression artistique et politique ; « Before and After – War or Peace » de Johannes Birringer, un texte qui réfléchit à la politique de la mémoire, au traumatisme et aux réponses artistiques aux guerres historiques et en cours ; dans « Crafted Figures Make German », Loren Kruger, se référant au travail du célèbre marionnettiste Nikolaus Habjan, explique comment ses marionnettes transmettent des histoires de violence qui sont plus que jamais d’actualité. Dans son propre article, Ali Mansouri évoque la violence de la censure et la suppression de la liberté de pensée et de la créativité, en se référant au théâtre clandestin en Iran, à un moment où l’Iran fait la une des journaux internationaux non pas pour son théâtre, mais pour la guerre qui fait rage au Moyen-Orient.
Les autres textes de ce numéro se concentrent également, d’une manière ou d’une autre, sur des œuvres et des situations qui façonnent le zeitgeist culturel et théâtral contemporain. Par exemple, l’article cosigné par Huiyue Wen et Li Zeng explore « la façon dont le théâtre shakespearien a stimulé l’imagination et la créativité des étudiants, les incitant à relier les œuvres classiques aux réalités sociales contemporaines » ; Maria Hamali et Maria Sehopoulou, prenant pour exemple la mise en scène, par le même metteur en scène (Stefan Larsson), du Petit Eyolf d’Ibsen en Suède et à Chypre, expliquent de quelle façon « la collaboration interculturelle révèle comment les textes théâtraux canoniques acquièrent une pertinence renouvelée lorsqu’ils sont réfractés à travers des contextes linguistiques et culturels différents ». L’article de David Roesner traite de la musique, de l’histoire et de la politique, et de leur interaction ; le texte de Farah Ali et Majeed Mohammed Midhin explore le corps en tant que surface inscrite dans la politique ; et le travail de Kurniasih Zaitun, Eko Supriyanto et Yusril examine la théâtralité des faux médecins en Indonésie en tant que phénomène social et politique.
Notre numéro 31 contient également des essais couvrant de nombreux festivals (à Varna, Iasi, Timisoara, Wuzhen, entre autres), quatre entrevues (d’Australie, des Philippines, République de l’Inde, et de Chine) et 12 critiques de spectacles, y compris des contributions de jeunes critiques ayant participé au colloque organisé par l’Association internationale des critiques de théâtre à Bangkok en avril 2025.
Au total, 51 textes sont présentés, dont 12 sont cosignés, couvrant un large éventail géographique et thématique allant de l’Afrique du Sud aux Philippines, à la Corée du Sud, aux Amériques et de l’Australie à l’Allemagne, à l’Irak, à Chypre et à l’Égypte.
Dans l’ensemble, tous les textes reflètent un paysage fragmenté qui cherche d’urgence des liens pour rapprocher les communautés et renforcer ainsi le rôle social du théâtre. La solitude engendrée par la technologie est devenue pandémique. Et le rôle du théâtre est de défier, autant que possible, cette réalité, de devenir un lieu de rassemblement, une grande place de marché, une agora « classique » où tout le monde est bienvenu. C’est un peu ce que nous voyons se dessiner. Par leurs choix et leurs approches, le(s) théâtre(s) contemporain(s) et les universitaires promeuvent des stratégies de survie et adoptent des philosophies et des positions transfrontalières et transsociétales, montrant à quel point le théâtre est vital à une époque marquée par les guerres, la pauvreté et les dirigeants indignes de confiance. Ils font face aux problèmes urgents du monde, en les abordant de manière accessible et amicale, mais aussi audacieuse. Tout comme la tragédie est un test de limites, l’écriture théâtrale devrait être une recherche et un test continus du potentiel et des possibilités. Une exploration de nouveaux domaines et de nouvelles façons de répondre aux défis posés par l’évolution de la société. Et tout cela au service d’un théâtre libre, d’un théâtre qui planifie toujours son propre lendemain, d’un théâtre qui cherche la vérité dans un monde qui n’y croit pas, qui ne sait pas comment l’approcher ou qui doute même de son existence. Œdipe est un exemple frappant de quelqu’un qui vit à la limite, entre la vérité et la post-vérité. Il pense connaître la vérité, mais se trompe tragiquement. Une fois qu’il l’a apprise, il s’aveugle, détruisant l’organe même qu’il croyait l’avoir conduit à la lumière.
Ce volume a vu le jour grâce à de nombreux efforts et, surtout, à beaucoup d’amour et d’attention de la part de toutes les personnes impliquées, responsables, auteurs, bénévoles. Il s’agit de notre petite contribution à ce domaine. Nous espérons qu’il trouvera un écho dans vos réflexions et vos choix.
Cela dit, je voudrais encourager ceux qui souhaitent que leurs articles, leurs critiques de spectacles et/ou de livres, leurs entrevues, leurs études de cas et leurs recherches empiriques soient pris en considération pour publication à contacter le rédacteur de la section concernée (cliquer ici).
Une fois qu’un manuscrit a été évalué par les pairs et recommandé pour publication, il fait l’objet d’une révision linguistique, d’une mise en page et d’une validation des références, conformément aux dernières directives de la feuille de style MLA, afin d’assurer la meilleure qualité de publication possible.
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NOTE : Le dossier de notre numéro d’hiver (#32) est : Vers des études théâtrales interasiatiques : Modernité, conditions historiques et évolution des façons de voir.
Responsables invités : Jen-Hao Hsu (Walter), Sir Anril Tiatco et Deniz Başar.
Date de publication : fin décembre 2025.
Veuillez transmettre le lien (www.critical-stages.org) à toute personne susceptible d’être intéressée. Merci de votre compréhension.
Comme toujours, Critical Stages demeure engagé à favoriser un dialogue inclusif et international. Continuons d’élargir notre compréhension commune et d’approfondir notre appréciation de la performance sous toutes ses formes, dans toute sa diversité et son évolution.
Photo: Scène finale du spectacle-documentaire 1978 du Théâtre d’État Hongrois. Timișoara, vitrine Micostagiune, 2025. Photo : Avec l’aimable autorisation du Festival.

*Savas Patsalidis est professeur émérite en études théâtrales à l’université Aristote de Thessalonique. Il a également enseigné à l’école d’art dramatique du Théâtre national de Grèce du Nord, à l’Université ouverte hellénique et au programme d’études supérieures du département de théâtre de l’Université Aristote. Il est l’auteur de quatorze ouvrages sur la critique/théorie du théâtre et de la performance et co-éditeur de treize autres. Son étude en deux volumes, Theatre, Society, Nation (2010), a reçu le premier prix de la meilleure étude théâtrale de l’année. En 2022, son ouvrage Comedy’s Encomium: The Seriousness of Laughter, a été publié par University Studio Press. Il est membre du comité exécutif de l’Association hellénique des critiques de théâtre et des arts du spectacle, membre de l’équipe des conservateurs du Forest International Festival (organisé par le Théâtre national de Grèce du Nord) et rédacteur en chef de Critical Stages/Scènes critiques, la revue de l’Association internationale des critiques de théâtre.