Issue #38 (December 2028)
Guest Editors
Margareta Sörenson and Cariad Astles
Published in the lead-up to the centenary of UNIMA, the International Association for Puppet Theatre, this special issue of Critical Stages/ Scènes critiques takes the anniversary not as a linear historical milestone but as an opportunity to rethink puppetry as a material and temporal practice, one that produces, disrupts and reconfigures time itself.
We invite critics, scholars and practitioners to examine puppetry and object theatre as forms operating across multiple temporal registers, compressing, suspending, fragmenting and reactivating temporality through animated matter.
From ritual objects and automata to digital avatars and AI-driven systems, puppetry continually stages unstable relations between life and non-life, presence and absence, and past and future. Moving beyond concepts such as “suspended time” (Jurkowski, Aspects of Puppet Theatre), this issue asks how puppetry constructs temporal experience while intersecting with broader political, technological and ecological regimes of temporality.
Objects in performance may function as “memory devices” (Carrignon, À la recherche du théâtre d’objet) or disrupt linear dramaturgies (Lehmann, Postdramatic Theatre). We also welcome approaches that situate puppetry within posthuman, decolonial and planetary temporalities. Because puppetry animates matter through processes of manipulation, delay, repetition, substitution and projection, it offers a distinctive lens through which to examine temporal instability and alternative modes of world-making.
We encourage practice-as-research, artist-scholar collaborations, visual or experimental essays, and comparative or interdisciplinary approaches.
We welcome contributions which address, but are not limited to:
Temporalities
Nonlinear, cyclical, fragmented or recursive time; suspension and duration; rehearsal and repetition; flashback and anticipation; temporalities of violence, migration and historical rupture; re-enactment, memory and historiography.
Histories and Counter-Histories
Alternative genealogies beyond institutional archives; colonial, postcolonial, Indigenous and vernacular traditions; gendered and racialised absences; ephemerality and disappearance; puppetry as archival or anti-archival practice; feminist, queer, ecological and posthuman approaches to historiography and historical narration; non-linear histories.
Training and Transmission
Historical and contemporary pedagogies; embodied knowledge and craft; intergenerational transmission; invisible labour, maintenance and repair as temporal practices.
Staging, Space, and Site
How spaces, stages, and sites of puppetry shape perceptions of temporality, from festival, marketplace, and street to theatre, bar, gallery, digital screen, and VR experience; how forms such as the booth, playboard, box, or immersive environment structure relations between bodies, objects, and time.
Audiences and Circulation
Shifting publics and spectatorships: children, adults, communities, artists and digital audiences; global and cross-cultural circulation; reception histories; audiences as co-producers of meaning; changing modes of engagement across media and generations
Cultural Heritage and Afterlives
Ritual and heritage practices; tradition as transformation; postcolonial and neo-colonial cultural dynamics; preservation, revival, reinvention and adaptation; puppetry as living, contested or disappearing heritage.
Technologies
From automata to AI and algorithmic performance; digital avatars and synthetic agents; real-time rendering; human–machine co-agency; speculative futures of puppetry; technologies of measurement, duration and synchronisation; clocks, watches, hourglasses and other timekeeping devices as performative objects and dramaturgical tools.
Terminologies and Theoretical Orientations
How terminologies and theoretical perspectives on animated, puppet, and material theatre have shifted over time; how emerging taxonomies and ideologies reshape the theory and practice of animated performance.
Artists and Players
Particular practitioners, makers, performers and collectives who have shaped the development of puppet theatre over the last century, and how their contributions been remembered, obscured, or transformed; how women, Indigenous peoples, disabled practitioners, migrants, LGBTQ+ communities and other historically marginalised identities have been represented within puppet theatre and its historiography; how the visibility and presence of puppeteers onstage has shifted over time, and which artistic, political, and embodied practices have informed contemporary performance.
Additionally,
We welcome contributions engaging with global and transnational contexts, including geographically and historically specific puppet traditions; UNIMA histories; postcolonial, post-Soviet and post-socialist performance cultures; Indigenous and vernacular practices; and diasporic, intercultural or hybrid forms.
We are particularly interested in how these practices intersect, circulate and transform one another across temporal, geographical and cultural boundaries.
We particularly welcome engagement with posthumanism, new materialism, queer and feminist temporalities, decolonial theory, media archaeology, performance studies, anthropology of objects, ritual theory, ecological approaches to time, and theories of material agency.
We also welcome contributions addressing precarity, labour, production economies, institutional structures, and networks of circulation.
Selected contributions may include visual materials, documentation or practice-based components.
Please submit a 300-word abstract for proposed articles (3.000–7.000 words), interviews (approximately 2.000 words), or reviews (approximately 1.000 words) by 30 November 2026 to puppetrycritical@gmail.com.
Abstracts should be accompanied by a short biographical note of no more than 150 words.
Timeline
- Abstracts: 30 November 2026
- Response to authors: 30 January 2027
- First drafts due: 30 June 2027
- Peer feedback: 30 October 2027
- Final submissions due: 31 March 2028
- Final editing: April 2028 – June 2028
- Publication: 30 December 2028
We are open to articles in English and French
Guest Editors’ biographies
Cariad Astles is a puppetry trainer, teacher, researcher, director and performer. She is puppetry tutor at the Royal Central School of Speech and Drama in London and Lecturer in Drama at Exeter University. She has taught at other universities including the University of Grenoble, the University of Plymouth and Rose Bruford. In 2025 she worked on the international project The Herds in Stockholm, training young puppeteers to perform. She has led puppetry projects worldwide including in China, Australia, Spain, France, Germany, Poland and Chile. She is co-president of the UNIMA Commission on Professional Training and Research and was formerly Vice President of UNIMA.
Margareta Sörenson is a journalist, writer and researcher. She has worked as a theatre and dance critic since the early 1980s for a Swedish daily newspaper and from the 1990s also for the Swedish dance journal Dance. She has a special interest in the art of puppetry and has published four books on Swedish puppetry, in both Swedish and English. In the 1990s, she taught the history of puppetry at the Turku School of Arts and Communication and later in Sweden’s national university programme for puppetry. She has also lectured and written essays for numerous independent projects, as well as serving as a guest lecturer and essayist. Margareta Sörenson was a member of the board of the International Association of Theatre Critics (IATC) from 2001 to 2014, when she was elected President of the organization. She served in that position until 2021 and now holds the title of Honorary President of the IATC.
Numéro 38 (Décembre 2028)
Responsables invitées
Margareta Sörenson et Cariad Astles
Publié à l’approche du centenaire de l’UNIMA, l’Union internationale de la marionnette, ce dossier de Scènes critiques ne considère pas cet anniversaire comme un jalon historique linéaire, mais comme une occasion de repenser la marionnette en tant que pratique matérielle et temporelle — une pratique qui produit, perturbe et reconfigure le temps lui-même.
Nous invitons les critiques, les chercheurs et les praticiens à examiner les arts de la marionnette et le théâtre d’objets comme des formes qui opèrent à travers de multiples registres temporels, compressant, suspendant, fragmentant et réactivant la temporalité par le biais de la matière animée.
Des objets rituels et automates aux avatars numériques et systèmes pilotés par l’IA, la marionnette met continuellement en scène des relations instables entre la vie et la non-vie, la présence et l’absence, ainsi que le passé et l’avenir. Au-delà de concepts tels que le « temps suspendu » (Jurkowski, Aspects of Puppet Theatre), ce numéro s’interroge sur la manière dont la marionnette construit l’expérience temporelle tout en croisant des régimes de temporalité plus larges, qu’ils soient politiques, technologiques ou écologiques.
Les objets utilisés dans la représentation peuvent fonctionner comme des « dispositifs de mémoire » (Carrignon, À la recherche du théâtre d’objet)(ou perturber les dramaturgies linéaires (Lehmann, Postdramatic Theatre). Nous accueillons également les approches qui situent la marionnette au sein de temporalités posthumaines, décoloniales et planétaires. Parce que la marionnette anime la matière à travers des processus de manipulation, de retard, de répétition, de substitution et de projection, elle offre une perspective distinctive à travers laquelle on peut examiner l’instabilité temporelle et les modes alternatifs de construction du monde.
Nous encourageons la pratique en tant que recherche, les collaborations entre artistes et chercheurs, les essais visuels ou expérimentaux, ainsi que les approches comparatives ou interdisciplinaires.
Nous accueillerons favorablement les contributions portant, entre autres, sur :
Temporalités
Temps non linéaire, cyclique, fragmenté ou récursif ; suspension et durée ; répétition et récurrence ; flash-back et anticipation ; temporalités de la violence, de la migration et de la rupture historique ; reconstitution, mémoire et historiographie.
Histoires et contre-histoires
Généalogies alternatives au-delà des archives institutionnelles ; traditions coloniales, postcoloniales, autochtones et vernaculaires ; absences liées au genre et à la race ; caractère éphémère et disparition ; la marionnette en tant que pratique archivistique ou anti-archivistique ; approches féministes, queer, écologiques et posthumaines de l’historiographie et de la narration historique ; histoires non linéaires.
Formation et transmission
Pédagogies historiques et contemporaines ; savoirs incarnés et savoir-faire ; transmission intergénérationnelle ; travail invisible, entretien et réparation en tant que pratiques temporelles.
Mise en scène, espace et lieu
Comment les espaces, les scènes et les lieux dédiés aux arts de la marionnette ont-ils façonné notre perception du temps – des festivals, marchés et rues aux théâtres, bars, galeries, écrans numériques et expériences de réalité virtuelle ? Comment des dispositifs tels que la cabine, le plateau de jeu, la boîte ou l’environnement immersif structurent-ils les relations entre les corps, les objets et le temps ?
Audiences et diffusion
Évolution des publics et des modes de consommation culturelle : enfants, adultes, communautés, artistes et publics numériques ; diffusion mondiale et interculturelle ; histoires de la réception ; les publics en tant que coproducteurs de sens ; évolution des modes d’engagement à travers les médias et les générations.
Patrimoine culturel et héritage
Pratiques rituelles et patrimoniales ; la tradition comme vecteur de transformation ; dynamiques culturelles postcoloniales et néocoloniales ; préservation, renaissance, réinvention et adaptation ; l’art de la marionnette en tant que patrimoine vivant, contesté ou en voie de disparition.
Technologies
Des automates à l’intelligence artificielle et à la performance algorithmique ; les avatars numériques et les agents synthétiques ; le rendu en temps réel ; la co-action homme-machine ; les futurs spéculatifs de la marionnette ; les technologies de mesure, de durée et de synchronisation ; les horloges, les montres, les sabliers et autres dispositifs de mesure du temps en tant qu’objets performatifs et outils dramaturgiques.
Terminologies et orientations théoriques
Comment les terminologies et les perspectives théoriques relatives au théâtre animé, au théâtre de marionnettes et au théâtre matériel ont-elles évolué au fil du temps ? Comment les taxonomies et les idéologies émergentes redéfinissent-elles la théorie et la pratique du spectacle animé ? Nous encourageons tout particulièrement les réflexions portant sur le posthumanisme, le nouveau matérialisme, les temporalités queer et féministes, la théorie décoloniale, l’archéologie des médias, les études sur la performance, l’anthropologie des objets, la théorie des rituels, les approches écologiques du temps et les théories de l’agentivité matérielle.
Artistes et interprètes
Quels praticiens, créateurs, interprètes et collectifs ont façonné l’évolution du théâtre de marionnettes au cours du siècle dernier, et comment leurs contributions ont-elles été préservées, occultées ou transformées ? Comment les femmes, les peuples autochtones, les praticiens en situation de handicap, les migrants, les communautés LGBTQ+ et d’autres identités historiquement marginalisées ont-ils été représentés au sein du théâtre de marionnettes et de son historiographie ? Comment la visibilité et la présence des marionnettistes sur scène ont-elles évolué au fil du temps, et quelles pratiques artistiques, politiques et corporelles influencent les spectacles contemporains ? Nous invitons également les contributions abordant la précarité, le travail, les économies de production, les structures institutionnelles et les réseaux de diffusion.
Nous invitons les contributions qui abordent des contextes mondiaux et transnationaux, notamment les traditions de marionnettes spécifiques sur le plan géographique et historique ; l’histoire de l’UNIMA ; les cultures scéniques postcoloniales, post-soviétiques et post-socialistes ; les pratiques autochtones et vernaculaires ; ainsi que les formes diasporiques, interculturelles ou hybrides.
Nous nous intéressons particulièrement à la manière dont ces pratiques s’entrecroisent, circulent et se transforment mutuellement au-delà des frontières temporelles, géographiques et culturelles.
Les contributions sélectionnées peuvent inclure des supports visuels, de la documentation ou des éléments pratiques.
Veuillez envoyer un résumé de 300 mots pour les articles proposés (3 000 à 7 000 mots), les entretiens (environ 2 000 mots) ou les critiques (environ 1 000 mots) avant le 30 novembre 2026 à puppetrycritical@gmail.com.
Les résumés doivent être accompagnés d’une brève note biographique ne dépassant pas 150 mots.
Calendrier
- Résumés : 30 novembre 2026
- Réponse aux auteurs : 30 janvier 2027
- Remise d’une première version : 30 juin 2027
- Retour par les pairs : 30 octobre 2027
- Remise d’une version finale : 31 mars 2028
- Dernière révision : avril 2028 – juin 2028
- Publication : 30 décembre 2028
Nous accueillons les articles en français ou en anglais
Biographies des rédacteurs invités
Cariad Astles est une formatrice en marionnettes, enseignante, chercheuse, metteuse en scène et praticienne. Elle est tutrice en marionnette à la Royal Central School of Speech and Drama de Londres et enseignante en théâtre à l’Université Exeter. Elle a aussi enseigné notamment à l’Université de Grenoble, et celles de Plymouth et de Rose Bruford. En 2025, elle a travaillé au projet international The Herds à Stockholm, entraînant de jeunes marionnettistes. Elle a aussi œuvré à des réalisations en marionnettes en Chine, en Australie, en Espagne, en France, en Allemagne, en Pologne et au Chili. Elle est coprésidente de la Commission de l’UNIMA sur la formation professionnelle et la recherche et auparavant, avait été vice-présidente de l’UNIMA.
Margareta Sörenson est journaliste, écrivaine et chercheuse. Elle est critique de théâtre et de danse depuis le début des années 1980, travaillant pour un quotidien suédois, et plus tard pour la revue suédoise Dance. S’intéressant particulièrement à la marionnette, elle a publié quatre ouvrages sur cet art en Suède (en suédois et en anglais), et a enseigné son histoire à l’école des Arts et de la Communication (Finlande) dans les années 1990 et au programme de marionnettes de l’Université nationale suédoise. Souvent invitée comme conférencière, elle a publié de nombreux articles. Membre du Comité exécutif de l’AICT de 2001 à 2014, Margareta a par la suite été élue à la présidence, où elle est restée jusqu’en 2021, alors qu’elle a été nommée vice-présidente honoraire de l’AICT.
