Traverser le globe sur le char du théâtre
Savas Patsalidis*
Je considère le théâtre comme la plus grande de toutes les formes d’art, la manière la plus immédiate par laquelle un être humain peut partager avec un autre le sens de ce que signifie être un être humain
Thornton Wilder
Chers lecteurs,
À l’occasion de la nouvelle année, le comité éditorial de Critical Stages/Scènes critiques présente à tous ses vœux les plus sincères pour une nouvelle année 2024 plus optimiste, moins violente, moins autodestructrice, moins compétitive et moins cruelle que les précédentes années.
La vie sur Terre est menacée par une consommation irresponsable, la contamination des ressources en eau, la destruction des forêts, les dommages causés à l’écosystème et, par conséquent, la hausse des températures, la fonte des icebergs et les catastrophes naturelles. Ces calamités constituent ensemble un avertissement urgent, car les êtres humains ont franchi de nombreuses lignes rouges liées à la santé et à la durabilité de la planète. Et comme si tout cela ne suffisait pas, la prolifération des guerres, des conflits territoriaux et des révisionnismes anachroniques nous rappellent que les tragédies n’ont jamais rendu personne plus sage, surtout ceux qui sont au pouvoir, car si elles l’avaient fait, les dirigeants du monde n’auraient pas pu oublier ce que l’histoire nous a appris : une descente dans la violence et la guerre ne résout pas les problèmes, mais favorise au contraire une escalade de ceux-ci.
Selon les conclusions du Global Conflict Tracker du Council on Foreign Relations , il y a actuellement 32 conflits en cours dans le monde. D’après une autre étude publiée en juin 2023 par l’Institut d’économie et de paix , près d’un quart de million de personnes sont mortes l’année dernière dans les guerres à travers le monde. Cela représente une augmentation de 96 % d’une année sur l’autre des décès liés aux conflits militaires. En plus de tous ces tristes chiffres, les technologies émergentes éliminent un à un les obstacles à l’acquisition d’armes biologiques, entraînant ainsi une nouvelle escalade des tensions qui entraînera très probablement des pertes de vies humaines encore plus importantes.
La biopolitique moderne a radicalement modifié de nombreux aspects de notre routine quotidienne. ZOOM est désormais devenu le format majeur de nos réunions, pourtant la distance entre les personnes semble ne cesser de croître, et la communication et la compréhension diminuent. La visibilité qu’offre la technologie dans la diffusion de l’information nous rend confus quant à ce qui est réel et ce qui est faux.
Dans ce climat généralement pessimiste, il est légitime de se demander que peut faire le théâtre. La réponse est simple : le théâtre continue d’affirmer sa présence avec audace et dynamisme. Depuis sa création, le théâtre fonctionne comme une sorte de sismographe et de juge, mesurant et évaluant tout ce qui se passe autour de nous. Selon les mots de Stella Adler, le théâtre “ est la radiographie spirituelle et sociale de son époque. Le théâtre a été créé pour dire aux gens la vérité sur la vie et la condition sociale. “
Cela étant dit, nous, l’équipe éditoriale de cette revue, adhérons avec passion aux principes et valeurs démocratiques ; nous préconisons des politiques et des procédures qui favorisent la paix, l’équité, la diversité, expression libre et l’inclusion afin de transcender les catégories raciales, de classe, sociopolitiques, ethniques, religieuses et de genre. Nous faisons partie de ce monde multicolore et polyvalent et nous efforçons de participer aux événements mondiaux actuels, de les enregistrer et de les partager avec vous.
Notre cadeau pour la nouvelle année est un recueil de 65 textes originaux signés par 75 auteurs de 25 pays, représentant la diversité de la vie théâtrale sur cette planète, du Sri Lanka à la Bulgarie, en passant par l’Australie et la Nouvelle-Zélande, de Toronto à Buenos Aires, à Chypre et en Egypte.
Nous sommes très fiers, dans le présent numéro, de publier un dossier sur le théâtre australasien, le premier du genre jamais réalisé en dehors de l’Australie/Aotearoa-Nouvelle-Zélande. Avec ce dossier, nous espérons réduire la distance géographique qui sépare les artistes et les universitaires en construisant davantage de ponts interculturels. C’est un théâtre très vivant, un théâtre qui suit les préoccupations et les tendances des créateurs et praticiens du théâtre contemporain, tout en explorant avec courage et une critique perspicace les particularités de son passé colonial et de ses cultures indigènes. Je cite les mots des éditeurs eux-mêmes tirés de leur éditorial : cette édition spéciale « tente d’embrasser tout le spectre de la culture théâtrale australienne et d’Aotearora/Nouvelle-Zélande, en incorporant les pratiques de performance live des Premières Nations et des Maoris, ainsi que le drame moderne et postcolonial des deux pays. nations. »
La tâche ardue de rédaction de ce dossier a été entreprise par cinq éminents collègues d’Australie et de Nouvelle-Zélande : Kathryn Kelly, Julian Meyrick, Fiona Graham, Moana Nepia et Emily Coleman. Nous sommes profondément redevables à cette équipe éditoriale invitée, et en particulier à la professeure Kathryn Keller, l’âme de l’équipe ; nous avons vraiment apprécié travailler avec elle. Malgré les frontières spatiales et temporelles qui nous séparaient, nous avons collaboré de manière très intense et étroite, comme si nous travaillions tous ensemble dans la même ville au même moment. La sélection finale pour publication des 21 articles fournit une image complète et très éclairante de l’état actuel du théâtre australasien.Compte tenu du grand nombre d’ouvrages publiés, pour les besoins de cette note éditoriale, je me concentre sur quelques-uns pour donner une vue générale du contenu du volume. Plus précisément, dramaturge et professeur Julian Meyrick s’appuie sur la pièce d’Annie Baker, Circle, Mirror, Transformation, pour défendre la dramaturgie comme un apprentissage pratique plutôt que comme un type de discours académique. « Le dramaturge n’est pas un intellectuel éloigné, écrit-il, mais un membre d’une communauté de pratique, travaillant avec des termes et des concepts définis comme utiles par cette communauté. »
Rea Dennis et Kate Hunter estiment qu’être créatrices de théâtre en Australie les habitue « à donner du sens en écoutant le pays, en parcourant de longues distances et en tâtant [leur] chemin ». Ces conditions les prédisposent « à se poser des questions sur l’affect, sur [leur] expérience d’appartenance à un vaste continent et sur la manière dont l’ancien s’insinue dans le présent quotidien ». Dans leur ouvrage co-écrit, Linda Hassall et al discutent du concept d’écoscéno-dramaturgie comme cadre pour « faciliter le renouveau communautaire après les inondations de Rocklea en 2022 à Meanjin/Brisbane, en Australie ». Alyson Campbell et Meta Cohen réfléchissent à la façon dont leur travail collaboratif génère « de nouvelles pratiques dramaturgiques queers et offre de nouvelles façons de penser les dramaturgies queer(ing) ».
Fiona Graham examine « la vision dramaturgique et les processus de composition des artistes de performance Nisha Madhan et Julia Croft ». En utilisant le terme/l’idée/la pratique de la dramaturgie liquide, elle étudie comment « leur travail innovant et primé propose de nouvelles stratégies dramaturgiques pouvant soutenir le développement de la performance néo-zélandaise/Aotearoa et australienne ». Sarah Peters, dans son article, se concentre sur l’œuvre 19 semaines d’Emily Steel et « interroge les conventions de la mémoire corporelle et du cadre de perception, explorant comment ces conventions organisent la proximité émotionnelle du public avec le monde de la pièce et soulignent la subjectivité du protagoniste ».
La présence d’articles axés sur le théâtre pour enfants et jeunes est particulièrement remarquable. Par exemple, Sally Chance façonne la relation entre « les dimensions esthétiques préparées et spontanées du matériel répété par les interprètes adultes et les réponses participatives des enfants au monde de l’œuvre ». David Megarrity et Jenna Gillett-Swan étudient comment les paratextes de trente pièces de théâtre représentent les jeunes de la région. Leur analyse suggère « des congruences entre les thèmes et la provenance, y compris une absence de voix pures des jeunes et des préoccupations concomitantes autour de l’authenticité ». Rick Brayford et al explorent comment une œuvre classique (telle que Médée) pourrait être utilisée pour s’adresser aux membres des cultures autochtones.
Le but de cette étude est d’encourager « les programmes de formation d’artistes australiens contemporains à reconnaître et à intégrer les influences des Premières Nations dans les programmes d’interprétation de manière plus holistique ». Une contribution importante liée à l’éducation sexuelle des jeunes est offerte par James Wenley, qui analyse la pièce Yes Yes Yes d’Eleanor Bishop et Karin McCraken pour montrer comment les deux dramaturges développent et activent une dramaturgie du consentement. L’article de Paul Rae et Abbie Victoria Trott, qui s’adresse également au jeune public, utilise comme étude de cas la pièce Melbourne Talam pour expliquer « où et comment une sensibilité dramaturgique peut être identifiée comme se développant tout au long de la vie d’un événement théâtral, depuis la production, en passant par la représentation, jusqu’à la réception.
À ces contributions s’ajoutent quelques articles plus importants de Aunty Colleen Wall, Dalisa Pigram, Danielle Wyatt, Jasmin Pfefferkorn et Dorita Hannah, ainsi que des interviews très révélatrices et instructives, dont une avec l’auteur et dramaturge David Geary, une autre de Kathryn Kelly avec le dramaturge Peter Matheson, une autre d’Alison Wells avec deux réalisateurs très appréciés (Ahilan Karunaharan et Jane Yonge) et enfine de Moana Nepia avec six artistes de Nouvelle-Zélande / Aoteaora d’qui, à deux, offrent une vue panoramique des développements actuels du théâtre australasien.
Enfin, une table ronde vidéo entre les diplômés du programme de maîtrise en dramaturgie du Victorian College of the Arts de l’Université de Melbourne aborde des questions clés qui prédominent dans de nombreux articles publiés, par exemple :
- Qu’est-ce qu’une dramaturgie australienne post-millénaire ? Qu’est-ce que cela signifie pour nous en tant qu’individus et en tant que communauté ?
- Quelle est l’importance de la formation en dramaturgie en Australie ? Plus précisément, que signifie situer cette formation à Melbourne, et sur quels héritages s’appuie-t-elle et crée-t-elle ?
- Que font réellement les dramaturges australiens et qu’apporte la pensée dramaturgique au travail et à la pratique actuels ?
Le numéro actuel continue également de publier des articles et des entrevues sur la guerre en Ukraine, peut-être le plus grand conflit armé depuis la Seconde Guerre mondiale, une guerre causant le plus grand flux de réfugiés au monde. Le numéro comprend des textes qui relatent des expériences directes, des angoisses et des traumatismes, qui constituent tous des preuves utiles pour documenter et construire l’histoire. Grâce à ces textes, le lecteur peut mieux comprendre comment la guerre affecte le théâtre et la vie de ceux qui font du théâtre, et comment le théâtre observe et enregistre la guerre ; la manière dont le théâtre remet en question son rôle dans ce conflit et reconnaît ce qu’il peut et ne peut pas faire est particulièrement importante.
Dans la section Entrevues, « Le festival Lubimovka Echo et le drame antiguerre en exil en langue russe », préfacé par Yana Meerzon, relate de manière très révélatrice les pensées, les réactions ainsi que les préoccupations de sept jeunes artistes et chercheurs de Finlande, de Lituanie, d’Allemagne, et d’Ukraine. Dans le même esprit, trois textes supplémentaires sont inclus. Publié dans la Section des articles de fond et dirigé avec soin et professionnalisme par Yana Meerzon, en collaboration avec Ewa Bal et Iryna Chuzhynova, un hommage à Maya Harbuzyuk, décédée subitement il y a quelques mois. Dans l’article premiere, d’abord prononcé lors d’un colloque quelques mois avant sa mort, Maya Harbuzyuk explore la notion d’indice de silence, un concept clé appliqué dans les études décoloniales qui évoque à la fois les notions de traumatisme et de subordination, ainsi que le discours public sur le pouvoir et l’injustice épistémique. Iryna Chuzhynova décrit des contextes et des caractéristiques supplémentaires pour démontrer le potentiel analytique du concept d’indice de silence proposé par Maya Harbuzyuk. La contribution théorique d’Ewa Bal se concentre sur le concept de frontière entre la Pologne et l’Ukraine et sur la manière dont cette idée pourrait être utilisée dans la théorie et la pratique du théâtre. Le travail de Maria Berlova est également lié à la guerre en Ukraine. En se concentrant sur « le phénomène des présidents célèbres qui sont d’anciens acteurs, dramaturges ou personnalités du show-business », l’auteur explore le mandat de Ronald Reagan, Václav Havel, Donald Trump et particulièrement Volodymyr Zelensky, montrant comment ces politiciens modifient le discours politique en y incorporant des éléments verbaux et non verbaux du domaine du divertissement. En conséquence, ces dirigeants modifient les normes de représentation politique, le rôle du leader populaire et leurs méthodes de communication. Moira Day analyse la pièce audio de Matthew MacKenzie (2021), Premier Métis d’Odessa, et montre comment la scène « fonctionne comme une exploration esthétique fluide des intersections culturelles plus larges entre l’Ukraine et le Canada, les communautés ukrainiennes-canadiennes et métisses-autochtones – passées et présentes ».
Le travail de Dominic Chamayou-Douglas se concentre sur un sujet particulièrement urgent dans le monde du théâtre d’aujourd’hui, à savoir le rôle de l’auteur dramatique et la mesure dans laquelle il est menacé par l’avancée technologique des logiciels générateurs de langage, notamment le chat GPT. Dans la même section, un article de Lynette Hunter et al décrit une production interculturelle basée en Californie de la pièce Elements, du dramaturge japonais Shōgo Ōta. Les auteurs expliquent comment la production « décompose les technologies théâtrales des objets, des sons, des mouvements, des personnages et du public impliqués dans les scénarios et la mise en scène dramatiques modernes en Occident, et […] refait chacun d’entre eux grâce à la technicité théâtrale ». Enfin, Athena Stourna, dans son étude perspicace et bien documentée, soutient que la cuisine domestique, considérée de manière stéréotypée comme le royaume de la femme au foyer et de la mère, est également un lieu d’« incarcération » et d’oppression des femmes.
Dans ce 28ème numéro de la revue le lecteur trouvera également de nombreuses contributions axées sur les festivals de cette année à travers le monde. Compte tenu du grand nombre d’articles, nous les avons divisés en deux catégories : les descriptions plus approfondies, qui apparaissent dans la section Réflexions inter/nationales, et les analyses plus critiques, qui apparaissent dans la section Critiques de spectacles.
Ceux de la section Réflexions inter/nationales offrent au lecteur la possibilité de découvrir les festivals de Colombo (Sri Lanka), Bucarest, Le Caire, Thessalonique, Avignon et Sibiu, et d’en apprendre davantage sur leur programmation, leurs choix de répertoire, leurs nouvelles pièces, tendances, etc.
La section Critiques sur la critique accueille un article liée à l’expression créative, celle de la censure, est abordée dans un texte de recherche bien documenté de Katrina Stuart Santiago, des Philippines. S’appuyant sur des exemples provenant de six pays d’Extrême-Orient (Cambodge, Indonésie, Malaisie, Philippines, Thaïlande et Vietnam), l’autrice révèle « comment les changements sociopolitiques et les luttes de pouvoir peuvent désormais rendre des spectacles longtemps célébrés offensants et impropres au public ».
La section Entrevues comprend des conversations avec le célèbre dramaturge britannique Howard Barker, la célèbre dramaturge et commissaire allemande Stefanie Carp, la critique roumaine, commentatrice radio, traductrice et commissaire Raluca Rădulescu, et la principale voix de la nouvelle génération d’artistes géorgiens Koko Roinishvili.
Les lecteurs de ce numéro apprécieront certainement les 18 critiques de spectacles du monde entier, soigneusement révisées par Matti Linnavuori. La plupart de ces critiques se concentrent sur des spectacles accueillis dans divers festivals, tels que Edinburgh Fringe, Varna, Stratford et Bitef, entre autres. Enfin, notre 28e numéro se termine par quatre critiques de livres, sous la responsabilité de Don Rubin.
Je tiens à remercier chaleureusement tous les collaborateurs du numéro, car il est clair que la revue n’existerait pas sans leur aide, leur attention et leur préoccupation. Je tiens également à remercier tous les auteurs qui nous ont confié leurs travaux, qui ont chacun élargi le champ de la revue et enrichi son contenu avec qualité.
Un grand « merci » du fond du cœur va aux trois réviseurs linguistiques Ian Herbert, Linda Manney et Michel Vaïs, qui mettent tout en œuvre pour garantir que tous les textes soient exempts d’erreurs et rédigés dans un registre approprié d’anglais et de français. Leur engagement et leur professionnalisme garantissent la qualité de tous les documents publiés.
Enfin, je voudrais exprimer ma gratitude à nos évaluateurs externes qui ont généreusement consacré leur temps et leurs efforts pour évaluer les articles qui leur ont été envoyés. Leurs contributions sont très appréciées.
Cela dit, je voudrais encourager les personnes intéressées à proposer leurs articles, critiques de spectacles et/ou de livres, entretiens, études de cas et recherches empiriques pour publication à contacter le ou la responsable de la section appropriée (cliquer ici). Une fois qu’un manuscrit a été examiné par des pairs et recommandé pour publication, il subit une révision linguistique, un formatage et une validation de référence supplémentaires, conformément aux dernières directives de la feuille de style MLA, afin de fournir la meilleure qualité de publication possible.
Les articles soumis ne doivent pas avoir déjà été publiés ou être en cours de publication ailleurs pendant leur évaluation pour cette revue. Ils doivent également adhérer au style et à l’éthique de la revue (pour en savoir davantage sur l’éthique/la procédure de publication de la revue, veuillez cliquer ici).
Si vous avez d’autres questions sur la revue, ou si je peux vous aider, n’hésitez pas à me contacter (spats@enl.auth.gr).
NOTE : Le dossier de notre numéro d’été (#29) est consacré à la danse. « Entre le présent et le futur ». Responsables : Margareta Sörenson et Steriani Tsintziloni. Date de publication : fin juin 2024.
Veuillez transmettre le lien (www.critical-stages.org) à toute personne susceptible d’être intéressée. Merci.
Nos portes sont ouvertes à tous.
Joignez-vous à nous alors que nous continuons à produire de nouvelles idées pour les arts du théâtre en constante évolution à travers le monde.
Cover photo: Circus performance by Tata Poldi, The Lubimovka Echo. Paris, 2022. Photo: être prod. “The Lubimovka Echo Festival and the Russian Language Anti-War Drama in Exile,” by Anastasia Patlay, Liza Spivakovskaya, Yana Meerzon, Dmitri Priven, included in the “Interview Section” of this issue.
*Savas Patsalidis est professeur émérite à l’Université Aristote de Thessalonique, où il a donné un grand nombre de cours sur le théâtre, notamment sur la problématique du compte rendu et de la critique, ou sur l’histoire du théâtre et de la représentation expérimentale. Pendant plusieurs années, il a aussi enseigné à l’École de théâtre du Théâtre national de Grèce du Nord et à l’Université hellénique ouverte. Auteur de quatorze ouvrages sur le théâtre, la critique et la théorie du spectacle, il en a co-écrit treize autres. Son livre en deux volumes Theatre, Society, Nation (2010) a reçu le prix de meilleure recherche de l’année. Son dernier ouvrage, Theatre & Theory II: About Topoi, Utopias and Heterotopias, a paru en 2019 chez University Studio Press. Outre ses activités académiques, il œuvre à titre de critique de théâtre pour les revues en ligne parallaxi et thegreekplay project. Actuellement, il préside l’Association hellénique des critiques de théâtre et des arts du spectacle, est membre de l’équipe de sélection du Festival Forest et est rédacteur en chef de Critical Stages/Scènes critiques, la revue Web de l’Association internationale des critiques de théâtre.
