Renégocier les traditions et les genres
Savas Patsalidis*
51 écrivains de 21 pays (africains, asiatiques, nord-américains et européens) fournissent le contenu et façonnent les préoccupations et les intérêts du dernier numéro de Critical Stages/Scènes critiques qui est désormais accessible à tous en ligne. Toutes les contributions, chacune à sa manière, directement ou indirectement, offrent une réflexion sur des questions de limites et de possibilités, de négociations et de renégociations. Toutes ensemble constituent une mosaïque invitante d’idées et d’angles critiques qui ouvrent davantage le champ de recherche et d’étude du théâtre et des arts du spectacle vivant. Les responsables invités pour le dossier du numéro, les professeurs Ulf Otto et Azadeh Sharifi, par exemple, écrivent dans leur appel à contribution que malgré les ruptures et les interventions de plusieurs mouvements d’avant-garde, la continuité des prémisses de base du théâtre allemand façonne toujours son canon et son répertoire (c’est-à-dire le corpus textuel, les pratiques incarnées et les structures organisationnelles).
Ces traditions, affirment les deux coresponsables, « se heurtent de plus en plus à la réalité transnationale et transdisciplinaire de la pratique théâtrale contemporaine ». Et puisque les deux parties du complexe, l’Alémanique et le(s) Théâtre(s), ont de plus en plus perdu leur évidence ces dernières années, « il y a urgence à repenser radicalement le composite lui-même et à reconceptualiser les relations dont il est issu ».
Leur choix pour publication de neuf articles de fond et d’un entretien vise à compliquer davantage les enjeux en question en détournant leur objectif d’enquête des chefs-d’œuvre et des artistes célèbres, vers des noms ou des traditions moins connus, dans l’espoir de montrer les discontinuités de la nation, l’impact de la colonisation, les héritages dans la pratique de la performance, la question du racisme et les stratégies d’appropriation artistique. L’article d’Anselm Heinrich, par exemple, se concentre sur les tentatives de l’Allemagne nazie de contrôler et de façonner le secteur culturel à travers l’Europe occupée. Le texte d’Alexandra Portman explore la dramaturgie institutionnelle à la Kaserne Basel, l’une des plus grandes maisons de production de Suisse alémanique. Hans Roth examine le rôle crucial du théâtre Gorki concernant le canon du théâtre allemand. Roth considère Gorki comme un exemple exceptionnel de théâtre municipal qui suit un programme de diversité radicale qui se retourne contre des mécanismes d’exclusion durables dans le paysage théâtral allemand.
Fusionnant les histoires de migration, le travail théâtral transnational et les théories de l’archive, l’article d’Ela Gezen et Olivia Landry présente une intervention culturelle et historique de Ballhaus Naunynstraße, l’une des étapes critiques du début du théâtre post-migrant à Berlin. L’article de Corentin Jan examine l’importance des Theatertreffen dans la promotion des pièces germanophones d’Autriche, de Suisse et d’Allemagne. Dans son article « A Feminist Rewriting of Kleist ? », Priscilla Layne explique comment Necat Öziri propose un nouvel angle de lecture de la nouvelle de Kleist Verlobung in St. Domingo (1811).
Dans la section des articles de fond, dirigée par la professeure Yanan Meerzon, deux universitaires nigérians en théâtre, Oyewumi Olatoye Agunbiade et Ayobami Kehinde, traitent de la question de la domination en relation avec un certain nombre de pièces de Femi Osofisan. Un autre texte du Nigeria (par Ngozi Udengwu et Godwin Onuche) met en évidence un changement de paradigme dans le public de théâtre au Nigeria, de la pratique traditionnelle du théâtre en plein air au mode drive-in qui a émergé à l’époque de la pandémie de COVID-19.
Elizabeth Swift soutient qu’en explorant le fonctionnement des pratiques spectatoriales émergentes, il y a beaucoup à apprendre des cultures de narration antérieures au drame occidental. Élise Deschambre, dans son article, affirme que la logique binaire de la formation théâtrale en Europe est le mode dominant, cependant, il y a des tentatives récentes de dépasser ce modèle. À titre d’exemple, elle se tourne vers un atelier d’écriture dramatique belge où un nouveau format a été développé.
Narges Montakhabi Bakhtvar examine la pièce Well de Lisa Kron d’un point de vue sociophénoménologique afin de démêler différentes interprétations du « bien-être » qui dépendent de la race, du sexe et des politiques de santé aux États-Unis. Enfin, Shailee Rajak explore l’œuvre de Teesri Duniya, une compagnie théâtrale montréalaise qui a résisté à l’homogénéisation et à la domination culturelle pendant quatre décennies.
La section Rapports nationaux présente pour la première fois un article sur le théâtre du Bangladesh (par Shafi Ahmed), son histoire, les difficultés auxquelles il est confronté et ses perspectives d’avenir. Dans son article Renu Ramanath, du Festival international de théâtre du Kerala (ITFoK) offre un espace important pour le dialogue et la liberté d’expression dans un pays où les créneaux de la liberté d’expression et d’expression sont de plus en plus restreints.
David Willinger, connaisseur du théâtre flamand, présente aux lecteurs de Scènes critiques quatre productions récentes en Flandre dont les approches novatrices laissent présager l’arrivée d’une seconde vague flamande (la première a eu lieu dans les années 1980). Agata Juniku partage avec nous ses réflexions sur le Festival international de théâtre de Belgrade (BITEF) sous le mandat de sept ans d’Ivan Medenica en tant que directeur artistique (2016 – 2022), sa politique de sélection, ses forces et ses éventuelles faiblesses concernant l’environnement sociopolitique local, et l’impact qu’il a eu sur la reconstruction et la redéfinition de la notion de communauté théâtrale et de son rôle dans la constitution de la sphère publique.
Le texte de Lina Rosi est une tentative de cartographier le paysage théâtral en Grèce et d’explorer l’empreinte laissée par la COVID-19.
Après une courte période d’absence, la section Critiques sur la critique est de retour avec un article d’un célèbre spécialiste des classiques, J. Michael Walton, qui revisite la pièce d’Euripide Médée pour examiner la nature de la relation entre Médée et Jason.
La section des entretiens propose un grand nombre d’entrevues du Nigeria, de Turquie, du Portugal, de Grèce, des États-Unis, d’Inde, de Bulgarie et de Roumanie. Trois sont des entretiens avec des dramaturges et les autres avec des praticiens et des directeurs de théâtre.
Matti Linnavuori a révisé pour la revue dix critiques de spectacles provenant du Japon, du Canada, d’Angleterre, du Kazakhstan, de Grèce, de Bulgarie, de Finlande et de Serbie. Don Rubin a choisi trois livres à évaluer pour ce numéro.
Enfin, la revue rend hommage à la contribution de deux figures majeures du théâtre disparues en 2022, Hans-Thies Lehmann (par Patrice Pavis) et Georges Banu (par Maria Zarnescu).
Aux responsables de ces rubriques, je dois ma plus profonde gratitude, autant que je dois mes plus sincères remerciements aux auteurs eux-mêmes qui nous ont confié leur travail.
Je tiens également à exprimer mes remerciements particuliers aux deux codirecteurs de la revue, Don Rubin et Jeffrey Eric Jenkins, dont l’aide a toujours été si généreuse. Enfin, mes remerciements vont à Ian Herbert, Linda Manney, Michel Vaïs et tous les réviseurs externes qui, chaque fois qu’on le leur a demandé, ont commenté de manière experte les manuscrits qui bénéficient de leur lecture expérimentée.
Cela dit, je voudrais encourager les personnes intéressées à proposer leurs articles, critiques de spectacles et/ou de livres, entretiens, études de cas et recherches empiriques pour publication à contacter le ou la responsable de la section appropriée (cliquer ici).
Une fois qu’un manuscrit a été examiné par des pairs et recommandé pour publication, il subit une révision linguistique, un formatage et une validation de référence supplémentaires, conformément aux dernières directives de la feuille de style MLA, afin de fournir la meilleure qualité de publication possible.
Les soumissions ne doivent pas avoir déjà été publiées ou être en cours de publication ailleurs pendant leur évaluation pour cette revue. Ils doivent également adhérer au style et à l’éthique de la revue (pour en savoir davantage sur l’éthique/la procédure de publication de la revue, veuillez cliquer ici).
Si vous avez d’autres questions sur la revue, ou si je peux vous aider, n’hésitez pas à me contacter (spats@enl.auth.gr).
NOTE : Le dossier de notre numéro d’hiver (n° 28) est Post-millennial Australasian Dramaturgy / Dramaturgie australasienne post-millénaire. Responsables : Kathryn Kelly, Julian Meyrick, Fiona Graham, Moana Nepia et Emily Coleman
Date de parution : fin décembre 2023.
Veuillez transmettre le lien (www.critical-stages.org) à toute personne susceptible d’être intéressée. Merci.
Nos portes sont ouvertes à tous.
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*Savas Patsalidis est professeur émérite à l’Université Aristote de Thessalonique, où il a donné un grand nombre de cours sur le théâtre, notamment sur la problématique du compte rendu et de la critique, ou sur l’histoire du théâtre et de la représentation expérimentale. Pendant plusieurs années, il a aussi enseigné à l’École de théâtre du Théâtre national de Grèce du Nord et à l’Université hellénique ouverte. Auteur de quatorze ouvrages sur le théâtre, la critique et la théorie du spectacle, il en a co-écrit treize autres. Son livre en deux volumes Theatre, Society, Nation (2010) a reçu le prix de meilleure recherche de l’année. Son dernier ouvrage, Theatre & Theory II: About Topoi, Utopias and Heterotopias, a paru en 2019 chez University Studio Press. Outre ses activités académiques, il œuvre à titre de critique de théâtre pour les revues en ligne parallaxi et thegreekplay project. Actuellement, il préside l’Association hellénique des critiques de théâtre et des arts du spectacle, est membre de l’équipe de sélection du Festival Forest et est rédacteur en chef de Critical Stages/Scènes critiques, la revue Web de l’Association internationale des critiques de théâtre.
