Remaniements
Savas Patsalidis*
Chers lecteurs, chères lectrices,
Bonne année !
Près de deux ans se sont écoulés depuis le début de la pandémie, deux années difficiles et frustrantes pour tout le monde, et pour les gens de théâtre en particulier. Cette crise humanitaire colossale, qui a touché toutes les sociétés, leurs économies et leurs arts en leur sein, au lieu de nous intimider, a renforcé notre foi en notre action. Nous n’avons jamais pensé abandonner. Nous continuons à faire ce que nous estimons être la fonction d’une revue théâtrale : ravir et déranger. Plaire en acheminant des informations utiles, et déranger en diffusant des arguments relevant d’anomalies, obligeant le lecteur à confronter ou à réexaminer les valeurs reçues dans un monde de plus en plus interconnecté, rempli d’incertitudes, d’inégalités, de repositionnements croissants.
Nous croyons fermement que dans un monde démocratique et démographiquement varié, les arts du théâtre et la critique sont non seulement nécessaires, mais utiles. Dans son dernier numéro (N°24), Critical Stages/Scènes critiques continue de fournir aux écrivains et aux artistes une plateforme pour s’engager dans une discussion dynamique sur des thèmes qui émergent ou réapparaissent dans les arts du spectacle au-delà des frontières nationales et disciplinaires. 34 femmes et 25 hommes, de 26 pays, nous ont confié 48 articles de qualité, contributions importantes à la bourse internationale du théâtre et des arts du spectacle.
Le dossier Dramaturgies auditives/orales de ce numéro est un exemple éloquent de ce qu’impliquent tous ces changements récents. Avec un soin méticuleux et une connaissance approfondie du domaine, les deux responsables invitées, Duška Radosavljević et Flora Pitrolo, ont rassemblé un total de dix articles avant-gardistes et inspirants signés par des auteurs issus d’horizons culturels et professionnels variés, des textes qui offrent une vision panoramique et équilibrée du changement de paradigme vers des dramaturgies axées sur la parole et le son (en particulier le théâtre verbatim, le conte amplifié, le théâtre gig). Comme l’ont dit les responsables elles-mêmes : « Il s’agit d’un portrait polyphonique de ce que cela pourrait signifier de penser l’oral/l’aural en relation avec le théâtre et la dramaturgie aujourd’hui. Certaines voix seront familières, d’autres étrangères ; certaines voix familières parlent dans des tonalités étrangères. Nous pensons cependant qu’écouter comment l’autre écoute initie toujours une autre conversation, et que, comme un nouvel oiseau magnifique dans une forêt, le lecteur aussi voudra se joindre à ce processus d’appel et de réponse. Le théâtre d’aujourd’hui a besoin, entre autres, d’artistes qui ne soient pas seulement de bons parleurs, mais aussi de bons auditeurs. L’écoute demande de l’enthousiasme, de l’engagement, de l’énergie et de la patience pour saisir l’essence de ce qui se passe, et ensuite transformer cette expérience en un art significatif. L’écoute est une forme d’action. Ce dossier en témoigne.
En plus des textes inclus dans notre dossier, le lecteur trouvera huit autres textes d’universitaires publiés dans la rubrique Articles de fond (resp. : Yana Meerzon), qui élargissent encore les horizons des objectifs de ce numéro ; des articles de fond réfléchissant aux modèles avec lesquels nous pensons au monde lorsque nous le (re)présentons sur scène ; des articles qui proposent des stratégies pour créer des scénarios et interpréter des témoignages sur l’Holocauste en utilisant l’idée brechtienne de verfremdungseffekt et de gestus, qui se penchent sur des spectacles conçus par un metteur en scène grec de premier plan, Michael Marmarinos, et analysent Tatlin’s Whisper #6 (2009) de Tania Bruguera, qui réécrit de manière créative l’image largement diffusée du discours de victoire de Fidel Castro à La Havane (1959), parmi d’autres contributions importantes.
Dans la rubrique Rapports nationaux (resp. : Savas Patsalidis), dont l’objectif principal est de couvrir la vie théâtrale actuelle dans divers pays du monde, les textes choisis offrent des points de vue sur le rôle interactif du public dans les arts du spectacle sud-coréens, sur le rôle de la photographie dans le théâtre enregistré (et le théâtre de Hong Kong en particulier), une évaluation critique du théâtre philippin basée sur des ruptures dans son statu quo de silence sur des divisions fondamentales basées sur la langue et les privilèges, et un examen attentif de la relation longue et créative de Suzuki avec la tragédie grecque.
La rubrique des colloques (resp. :Ivan Medenica), est de retour, après une courte période d’absence, avec trois communications engageantes qui abordent la problématique du recyclage comme qualité esthétique essentielle du théâtre et des arts du spectacle en général, toutes sélectionnées à partir du colloque international Le recyclage dans les arts du spectacle : de la créativité à la commercialisation, organisé par le Centre slovaque de l’AICT en coopération avec l’Institut du théâtre de Bratislava sous les auspices de l’Association internationale des critiques de théâtre, soutenu par le Fonds LITA.
Nous sommes tous en changement, et nos lecteurs changent aussi. Ce qui ne change pas, c’est notre devoir envers eux. Or, une partie de notre travail en tant que critiques consiste à leur montrer que la critique est toujours une affaire sérieuse ; voilà l’objectif général de la rubrique Des critiques sur la critique (resp. : Savas Patsalidis), qui, dans ce numéro particulier, contient trois textes éclairants, l’un réfléchissant aux multiples binaires et pluralités du théâtre, l’autre à la qualité performative des dessins autobiographiques d’Emin, et le dernier, à la très intéressante vision critique de Terzopoulo sur la tragédie.
Ce numéro 24 comprend également quatre entrevues, neuf critiques de spectacles (resp. :Matti Linnavuori), quatre comptes rendus de lecture (resp. :Don Rubin), et une rubrique spéciale, In Memoriam, qui rend hommage à trois grands artistes décédés ces derniers mois : Antony Sher (Angleterre), Ion Caramitru (Roumanie) et Stephen Sondheim (États-Unis).
Aux responsables de ces chroniques, je dois ma plus profonde gratitude, tout comme je dois mes plus vifs remerciements à toutes les personnes qui ont collaboré à notre numéro.
Je tiens également à remercier les deux codirigeants de la revue, Don Rubin et Jeffrey Eric Jenkins, dont l’aide a toujours été si généreuse. Enfin, et surtout, mes remerciements vont à Ian Herbert et à tous les lecteurs externes qui, chaque fois qu’on le leur demande, fournissent d’excellents commentaires sur des articles exigeant une lecture spécialisée.
Cela dit, ceux qui souhaitent que leurs articles, comptes rendus de spectacles ou d’ouvrages, entretiens, études de cas et recherches empiriques soient pris en compte pour une publication doivent contacter le responsable de la chronique relative (voir : https://www.critical-stages.org/ soumission-directives/).
Une fois qu’un manuscrit a été évalué par des pairs et recommandé pour publication, il subit une révision linguistique, une mise en forme et une validation des références supplémentaires, conformément aux dernières directives de la feuille de style MLA, afin de fournir la meilleure qualité de publication possible.
Les soumissions ne doivent pas avoir paru auparavant, ou avoir été soumises pour publication ailleurs, alors qu’elles sont évaluées pour notre revue. Les textes doivent également adhérer au style et à l’éthique de la revue (pour en savoir plus sur l’éthique de la publication/la procédure, veuillez consulter : https://www.critical-stages.org/submission-guidelines/)
Pour toute autre question sur la revue, ou si je peux vous aider, n’hésitez pas à me contacter : spats@enl.auth.gr .
NOTE : Le dossier de notre numéro d’été (#25) est L’interface humain-technologie dans la représentation. Responsable invité : Sebastian Samur. Date de parution : Fin juin 2022.
Prière de transmettre le lien à toute personne susceptible d’être intéressée. Merci.
Nos portes sont ouvertes à tous.
Veuillez vous joindre à nous alors que nous continuons à produire de nouvelles idées pour les arts du théâtre en constante évolution à travers le monde.
*Savas Patsalidis est professeur de théâtre, et d’histoire et de théorie du spectacle à l’École d’anglais (Université Aristote de Thessalonique), à l’Université ouverte hellénique et à l’Académie théâtrale du Théâtre national de Grèce du Nord. Il est aussi régulièrement Chargé d’enseignement au Programme d’études supérieur de l’Université Aristote. Auteur de quatorze ouvrages sur le théâtre, la critique et la théorie du spectacle, il en a co-écrit treize autres. Son livre en deux volumes Theatre, Society, Nation (2010) a reçu le prix de meilleure recherche de l’année. Son dernier ouvrage, Theatre & Theory II: About Topoi, Utopias and Heterotopias, a paru en 2019 chez University Studio Press. Outre ses activités académiques, il œuvre à titre de critique de théâtre pour les revues en ligne parallaxi et thegreekplay project. Actuellement, il préside l’Association hellénique des critiques de théâtre et des arts du spectacle, est membre de l’équipe de sélection du Festival Forest et est rédacteur en chef de Critical Stages/Scènes critiques, la revue Web de l’Association internationale des critiques de théâtre.
